Пост-независимость
Ко времени провозглашения независимости в 1947 году несколько школ искусств в Индии предоставили доступ к современным методам и идеям. Для демонстрации этих художников были созданы галереи. Современное индийское искусство обычно демонстрирует влияние западных стилей, но часто вдохновляется индийскими темами и образами. Крупные артисты начинают получать международное признание, первоначально среди индийской диаспоры, но также и среди неиндийской публики.
Группа прогрессивных художников , созданная вскоре после обретения Индией независимости в 1947 году, была призвана установить новые способы выражения Индии в постколониальную эпоху. Его основателем был Фрэнсис Ньютон Соуза, а ранними членами были С.Х. Раза , М.Ф. Хусейн и Маниши Дей . Это оказало огромное влияние на изменение идиомы индийского искусства. Почти все крупнейшие художники Индии 1950-х годов были связаны с группой. Видными среди них были Акбар Падамси , Садананд Бакре , Рам Кумар , Тайеб Мехта , К. Х. Ара , Х. А. Гаде и Бал Чабда. В 1950 году к группе присоединились VS Gaitonde , Krishen Khanna и Mohan Samant . Группа распалась в 1956 году.
Псевдореалистическая индийская живопись. Пара, дети и путаница. пользователя Devajyoti Ray .
Другие известные художники , как Нараян Шрайдхар Бендр , KKHebbar , КИС Paniker , Санкхо Чодхери , Антонио Пьедаде да Круз , К.Г. Субраманьян , Beohar Rammanohar Синха , Сатиш Гуджралом , Бикаш Бхаттачарджи , Джехангер Сабавала , Шакти Берман , А. Рамачандрану , Ганеша Пайна , Нирод Масумдар , Гулам Мохаммед Шейх , Лакшман Пай , А.А. Райба , Джахар Дасгупта , Прокаш Кармакар , Джон Уилкинс , Виван Сундарам , Джоген Чоудхури , Джагдиш Сваминатан , Джоти Бхатт , Бхупен Хакхар , Джерам Пател, Нарайанан Рамджитран, Сингер Художник-сюрреалист из Гоа ) и Биджон Чоудхури обогатили художественную культуру Индии и стали иконами современного индийского искусства. Женщины-художницы, такие как Б. Прабха , Шану Лахири , Арпита Сингх , Шримати Лал , Анджоли Эла Менон и Лалита Ладжми , внесли огромный вклад в современное индийское искусство и живопись. Историки искусства, такие как профессор Рай Ананд Кришна , также ссылались на те произведения современных художников, которые отражают индийский дух. Среди известных современных индийских художников – Нагасами Рамачандран , Джитиш Каллат , Атул Додия и Гита Вадхера, которые добились признания в переводе сложных индийских духовных тем на холсты, таких как суфийская мысль, Упанишады и Бхагавад Гита.
Индийское искусство получило подъем с экономической либерализацией страны с начала 1990-х годов. Художники из разных областей теперь начали использовать разные стили работы. Пост либерализации Индийское искусство работает не только в рамках академических традиций, но и за их пределами. Художники представили новые концепции, которые до сих пор не встречались в индийском искусстве. Деваджьоти Рэй представил новый жанр искусства под названием Псевдореализм . Псевдореалистическое искусство – это оригинальный художественный стиль, полностью разработанный на индийской земле
Псевдореализм принимает во внимание индийскую концепцию абстракции и использует ее для преобразования обычных сцен индийской жизни в фантастические образы. В постлиберализации Индии многие художники утвердились на международном рынке искусства, такие как художник- абстракционист Натвар Бхавсар , художник-абстракционист Набакишор Чанда и скульптор Аниш Капур, чьи гигантские постминималистические произведения искусства привлекли внимание своим огромным размером
Многие дома искусства и галереи также открылись в США и Европе для демонстрации индийских произведений искусства.. Ученые-искусствоведы, такие как Вайбхав С
В постлиберализации Индии многие художники утвердились на международном рынке искусства, такие как художник- абстракционист Натвар Бхавсар , художник-абстракционист Набакишор Чанда и скульптор Аниш Капур, чьи гигантские постминималистические произведения искусства привлекли внимание своим огромным размером. Многие дома искусства и галереи также открылись в США и Европе для демонстрации индийских произведений искусства.
Ученые-искусствоведы, такие как Вайбхав С
Адхав, Ч. Шиварамамурти , Ананд Кришна , Р. Шива Кумар и Гита Капур вывели индийское искусство на глобальную платформу.
Ученые-искусствоведы, такие как Вайбхав С. Адхав, Ч. Шиварамамурти , Ананд Кришна , Р. Шива Кумар и Гита Капур вывели индийское искусство на глобальную платформу.
Современный мир впитывает наследие предков
Из-за религиозных и этнических аспектов жилища индийцев долгие века были закрыты для европейцев, а значит и 
оригинальная живопись мадхубани была скрыта от посторонних глаз. Лишь несколько десятилетий назад это самобытное искусство стало доступно всем желающим.
Как говорится в поговорке «…несчастье помогло», – о северном регионе Индии узнал весь мир во времена ужасной засухи, которая длилась с 1966 по 1968 год.
В этот период на развалинах заброшенных домов были обнаружены наскальные рисунки индийское правительство, а точнее Совет по развитию искусства и ремесла в Индии стал поощрять местных художниц на развитие данного направления.
Девушкам и женщинам было предложено перенести свои навыки на холст. Эти картины обрели ошеломительную популярность у европейских коллекционеров и моментально нашли своих покупателей. При этом многие проданные картины так и остались безымянными.
Этническое направление для массового пользователя
Сегодня тематические рисунки по мотивам индийских художниц можно встретить не только на холсте. Предприимчивые европейцы и местные жители наладили массовое производство недорогих рисунков на бумаге.
Кроме того, если вам нравится данное направление, вы можете украсить интерьер своего дома фресками или матерчатыми панно с изображениями элементов индийской мифологии.
В направлении живописи мадхубани, изображение божественного пантеона, как и другие элементы необычных картин, и по сей день наносятся на ткань, холст или бумагу вручную. Сначала рисуют монохромную основу из прямых линий, а затем пространство заполняется сочными и очень яркими красками.
Бинди – точка на лбу у индианок
Сколько держится мехенди и как сделать рисунок более долговечным?
Менди на руках женщин Индии
Мехенди – что это такое?
Праздники в Индии Холи и Дивали
Рисунки хной – тату из Индии
Британские художественные школы [ править ]
Масляная и станковая живопись В Индии началась в начале восемнадцатого века, когда многие европейские художники, такие как Зоффани , Чайник , Ходжес , Томас и Уильям Даниелл , Джошуа Рейнольдс , Эмили Иден и Джордж Чинери, приехали в Индию в поисках славы и богатства
Дворы княжеских штатов Индии привлекали внимание европейских художников из-за их покровительства изобразительному и исполнительскому искусству, а также их потребности в европейском стиле портретов
Торговцы Ост-Индской компании также предоставили большой рынок для местного искусства. Во второй половине XVIII века возник особый жанр акварельной живописи на бумаге и слюде, изображающей сцены повседневной жизни, регалии княжеских дворов, народные праздники и ритуалы. Называемый « стилем компании » или «стилем Патны», он сначала процветал в Муршидабаде и распространился на другие города британского сюзеренитета. Власти считают, что этот стиль является «гибридным стилем и безупречным качеством».
После 1857 года Джон Гриффитс и Джон Локвуд Киплинг (отец Редьярда Киплинга ) вместе приехали в Индию; Гриффит происходит возглавить Дж.Дж. школу искусств и рассматривается как один из лучших викторианских художников приехать в Индию и Киплинг продолжал голова как JJ школа искусств и Mayo школа искусств , созданные в Лахоре в 1878 году
Просвещенное отношение восемнадцатого века, проявленное более ранним поколением британцев к индийской истории, памятникам, литературе, культуре и искусству, изменилось в середине девятнадцатого века. Предыдущие проявления индийского искусства были отброшены как «мертвые» и принадлежащие музеям; «с официальной британской точки зрения, в Индии не было живого искусства». Чтобы пропагандировать западные ценности в художественном образовании и колониальную политику, британцы открыли художественные школы в Калькутте и Мадрасе в 1854 году и в Бомбее в 1857 году.
Аджанта
Чтобы увидеть храмы Аджанты мало приехать туда, а еще пройти по лестнице вверх. Многие росписи сохранились и тщательно оберегаются. Для чего в пещерах поддерживается климат, а фотографировать можно только без вспышек.
Когда-то в этих пещерах жили буддийские монахи, которые выбрали это место за удалённость от всех крупных населённый пунктов. Начало строительства в этих пещерах относят ко II веку до н.э. (при императоре Ашоке).
Храмы Аджанты предствляют собой квадратные залы, окруженные монастырскими кельями. Все пещеры пронумерованы цирами от 1 до 29. Совершенно определенно самыми красивыми считаются первая и вторая пещеры. Высота потолка в первой пещере достигает 6 метров, а ширина 12 метров.
Наряду с картинами из жизни Будды в росписях Аджанты можно увидеть картины эротического содержания. Такое переплетение сюжетов является традиционным для средневековой Индии и присутствует во многих буддийских и индуистских храмах.
В XIII веке буддизм постепенно потерял своё значение в Индии. Численность монахов-буддистов значительно снизилась и они со временем ушли из Аджанты.
Пещеры Аджанты долгие века были спрятаны в дебрях гор. Они были открыты повтороно в 19-м веке англичанином. Вероятно поэтому здесь сохранились уникальные фрески, хотя большую их часть попортила дикая растительность. Фрески Аджанты напоминают росписи Шри Ланки — и в них просматривается влияние Греции, Рима и Ирана.
Средневековье
Уход монахов буддизма означал окончание эпохи пещерной росписи, но не исчезновение индийского живописного искусства в целом. Напротив, подобные события повлекли за собой новый виток развития, а именно – книжную миниатюру.
Направление миниатюр появилось к 10-му столетию, а пика достигло благодаря так называемой гуджаратской школе в 13-15 веках. По большей части миниатюры использовались в джайнистской литературе, в частности, в «Калпасутре».
Особенность изображений состояла в том, что лица имели немного искаженный вид: оба глаза писались в анфас, нос был острым и длинным настолько, что выходил за щеки. Грудная клетка тоже была нарочито выдающейся.
Древняя индийская книжная миниатюра
16-17 столетия характеризуются развитием раджпутской живописи и могольской миниатюры. Последняя стала особенно популярна при дворе Великих Моголов во время правления Джахангира в 17 веке – с 1605 по 1627 год.
Про Джахангира говорили, что он был пристрастен к алкоголю, опиуму, праздной жизни и женщинам. Отчасти это правда – среди других падишахов империи Моголов он был более склонен к такому образу жизни. Но при этом он считался большим ценителем искусства, взрастил выдающихся художников при дворе, да и сам обладал бесспорным талантом художника.
Могольская миниатюра
Одним из самых великих художников – современников и протеже Джахангира был Бичитр. Времена его творчества датируются 1610-1660 годами.
Воспитанный при дворе, он был неплохо образован, знал персидский язык как иностранный. Учителем по рисованию был Абу-ль-Хасан. Художественная карьера началась в придворной мастерской, которая именовалась как китабхана.
Первой работой считается картина, написанная в 1615 году, и уже тогда прослеживается индивидуальный стиль художника. Годом позже он написал портрет падишаха Джахангира, а также собственный автопортрет. Бичитр изобразил себя как молодого человека в районе тридцати лет в одеянии придворного.
Среди остальных художников двора Бичитр отличался отточенной техникой, воснове которой лежала реалистичность и точная передача эмоций на лице. Он стал известен как выдающийся портретист – картины Бичитра изображали главные события в истории империи, правителей, членов императорской семьи, знать, духовников, а иногда даже животных.
Бичитр. Картина «Акбар передаёт императорскую корону Шах Джахану». Альбом Минто, 1631 г.
Большую известность художник приобрел при царствовании Шаха Джахана – последователя Джахангира. В работах можно проследить некоторое влияние европейских канонов живописи того времени: герои изображались боком или полубоком, в ¾ фигуры, а каждая картина венчалась индивидуальным орнаментом. Позже, в 30-е годы, можно увидеть изменение стиля от некоего романтизма до лаконичности, сдержанности.
Современность
Художественный талант Индии достиг своего пика, пожалуй, в современном мире. Подтверждение тому – большое количество художников нашего времени: пейзажистов, портретистов, абстракционистов, сюрреалистов и других современных направлений. В последнее время Болливуд часто радует своих зрителей фильмами, где главные герои – люди, влюбленные в изобразительное искусство.
Приведем список самых ярких представителей этой творческой профессии среди наших современников.
Джаганнатх Пол
Наследственный художник, родился в 1976 году. Учился в Калькуттском колледже искусств, сейчас живет в Мумбаи. Главная тема работ – взаимоотношения полов. Воплощает идеи с помощью контрастных цветов акрилом, а также углем.
Амит Бхар
Появился на свет в 1973 году в Западной Бенгалии. Малая родина с ее первозданной природой, простой пасторалью, а также чтение книг во многом оказали влияние на будущую профессию мальчика. Рисует акварелью, акцентируя внимания на игре светотени.
Бхаскар Лахири
Земляк Амита Бхара, но родился раньше – в 1961 году. Получил высшее художественное образование в Калькутте, был учеником другого мастера – Бхаттачарджи.
Бхаскар Лахири. Триратна
Уша Шантарам
Вся ее жизнь связана с Бангалором. Создает удивительные картины на национальные мотивы, а также делает упор на язык телодвижений. Еще удивительнее то, что она училась художеству самостоятельно.
Кришна Ашока
Родившись в 1963 году, в молодости он получил степень бакалавра в области изобразительного искусства. Впоследствии выставлял свои проекты на множестве выставок, в том числе за границей. Любимый материал – акрил.
Винита Дасгупта
35-летняя художница считается одной из самых влиятельных и дорогостоящих женщин в сфере живописи 21 века. Сама себя называет «рассказчиком».
Нишант Данге
Молодой человек рисует исключительно углем. Это трудно и просто одновременно, но всегда невероятно красиво. Всего один цвет, черный, может передать целый спектр чувств.
Арчан Наир
Уроженец столицы, Арчан прославился благодаря так называемым цифровым работам. Это его собственный стиль, в основе которого лежит абстракционизм, поп-арт и недюжинный талант.
Адиб Шейх
Живет и творит в Мумбаи. Виды родного города, его жители позволяют творцу черпать вдохновение. В основе – жизнь обычных людей, раскрашенная контрастной палитрой. Абид не раз участвовал в выставках в родной стране, в Сингапуре, а также создавал персональные экспозиции.
Шантиникетан
Мантия Бенгальской школы была принята, когда Рабиндранат Тагор основал дальновидный университет Шантиникетан , университет, ориентированный на сохранение и развитие индийской культуры, ценностей и наследия. В его состав входила художественная школа « Кала Бхаван », основанная в 1920–21 гг. Хотя сам Рабиндранат за свою долгую и продуктивную жизнь поздно пришел к живописи, его идеи оказали большое влияние на индийский модернизм. В частном порядке Тагор делал небольшие рисунки, раскрашенные тушью, для которых он черпал вдохновение для своего примитивизма из своего бессознательного. В общественной жизни примитивизм Рабиндраната можно прямо отнести к антиколониальному сопротивлению, сродни сопротивлению Махатмы Ганди ..
Одним из первых учеников Абаниндраната Тагора был Нандалал Бозе , ставший впоследствии учителем, а позже директором по искусству. Нандалал вывел школу на лидирующие позиции в националистической идеологии, возникающей в настоящее время в индийской культуре. Шантиникетанская школа мысли подчеркивала, что «эстетика была также этосом, что роль искусства была не только в улучшении жизни, но и в формировании мира». Он установил индийскую версию натурализма, отличную от восточных и западных школ, одним из примеров которой является отказ от масляной и станковой живописи для работы на бумаге, нарисованной / окрашенной с использованием акварели, стирки, темперы и туши. Мечта Рабиндраната Тагора о почитании старых ценностей, олицетворяемых такими мотивами, как сельский народ, особенно племена санталов , осуществилась в художественных школах Университета Вишва-Бхарати в Шантиникетане. Некоторые из выдающихся художников шантиникетанской школы: Беноде Бехари Мукерджи , Рамкинкар Байдж , Ману Парех , Санко Чаудхури , Динкар Кошик , К.Г. Субраманьян , Беохар Рамманохар Синха , Кришна Редди , А. Рамачандран , Собха Брахма ., Рамананда Бандхападхьяй, Дхарма Нараян Дасгупта, Сушен Гхош, Джанак Джанкар Нарзари.
Контекстный модернизм
Искусствовед Р. Сива Кумар .
Идея контекстуального модернизма возникла в 1997 г. в книге Р. Шивы КумараШантиникетан: создание контекстуального модернизма» как постколониальный критический инструмент в понимании альтернативного модернизма в изобразительном искусстве бывших колоний, таких как Индия, особенно в Шантиникетанские художники.
Несколько терминов, в том числе контркультура современности Пола Гилроя и колониальная современность Тани Барлоу , использовались для описания разновидности альтернативной современности, возникшей в неевропейских контекстах. Профессор Галл утверждает, что «контекстный модернизм» является более подходящим термином, потому что «колониальное в колониальной современностине приспосабливается к отказу многих в колонизированных ситуациях интернализировать неполноценность. Отказ учителей-художников Шантиникетана от подчинения включал в себя встречное видение современности, которое стремилось исправить расовый и культурный эссенциализм, который двигал и характеризовал имперскую западную современность и модернизм. Эти европейские современности, спроецированные через торжествующую британскую колониальную власть, вызвали националистические реакции, столь же проблематичные, когда они включали в себя подобные эссенциализмы»
По словам Р. Шивы Кумара , «шантиникетанские художники были одними из первых, кто сознательно бросил вызов этой идее модернизма, отказавшись как от интернационалистского модернизма, так и от историцистской самобытности, и попытался создать контекстно-зависимый модернизм». Он изучал творчество шантиникетанских мастеров и размышлял об их подходе к искусству с начала 80-х годов. По словам Шивы Кумара, практика отнесения Нандалала Боса , Рабиндраната Тагора , Рама Кинкера Баиджа и Беноде Бехари Мукерджи к Бенгальской школе искусств была ошибочной.Это произошло потому, что ранние писатели руководствовались генеалогией ученичества, а не своим стилем, мировоззрением и взглядами на художественную практику .
Контекстуальный модернизм в недавнем прошлом нашел свое применение в других смежных областях исследований, особенно в архитектуре .
Новое время
В 18 веке усиливалась колонизация, и к 19 столетию Индия, претерпевшая века правления мусульман, а затем – европейских колонизаторов, почти полностью утратила свою самобытность. Индийская живопись во многом переняла стиль художников Европы, в первую очередь – Англии. Но 19-20 века богаты замечательными мастерами кисти, и мы хотим рассказать о главных из них.
Раджа Рави Варма
Раджа Рави Варма считается первым индийским художником, всерьез увлекшимся картинами на холсте. Он жил и творил во второй половине 19 века по большей части в Бомбее – нынешнем Мумбаи.
Художник родился в 1848 году на территории современной Кералы в благополучной и довольно богатой семье, знакомой с наукой и искусством: отец – ученый, мать – литератор и поэт, а также трое братьев и сестер.
Раджа Рави Варма
Будучи начинающим художником, Раджа Рави Варма нашел покровительство местного махараджи. Благодаря ему он обучался у известных учителей:
- Рама Найду Свами – раскрывал тайны картин, написанных акварелью;
- Теодор Дженсон – выходец из Европы, специализировался на портретах маслом.
Навыки, способности, знания, привитые учителями, способствовали созданию индивидуального стиля Рави Вармы. Он вобрал черты английского аристократизма и индийской самобытности. Картины художника многие называют очень чувственными, иногда даже слишком, но именно это привлекает сентиментальных индийцев, поэтому до сих пор во многих домах можно увидеть репродукции его работ.
Мотивы картин тоже были самыми разными, порой даже противоположными:
- портреты;
- исторические события;
- мифические сюжеты;
- представители викторианской эпохи;
- быт простого индийского народа;
- сцены из «Махабхараты»;
- индийские мужчины и женщины в сари;
- боги индуистского пантеона.
Любой сюжет давался мастеру одинаково хорошо. Реалистичности бытовому жанру придавал тот факт, что он путешествовал по всей Индии в поисках идей, лиц и видел все своими глазами.
Амрита Шер-Гил
Амрита – первая знаменитая женщина в индийской живописи. Она творила в 20 веке, а ее работы удостоены звания национального достояния Индии.
Амриту Шер-Гил также часто называют индийской Фридой Кало. Действительно, у девушек много общего: во внешности, образе жизни, судьбе. Обе с ярким внешним видом, темными волосами и густыми бровями, они своим поведением порождали слухи о множестве любовников и любовниц, а в итоге обеих ждала скоропостижная смерть.
Девушка родилась в начале 1913 года в венгерской столице – в Будапеште. Семья отличалась статусом и образованием: отец был из сикхской аристократии, преподавал санскрит и персидский, мать – еврейка из Венгрии, пела в опере. Также у Амриты была сестра Индира, с которой они с самого детства были близки, вместе устраивали детские показательные выступления.
Амрита Шер-Гил (справа) и ее сестра Индира
Семья жила в Будапеште. Амрита была очень творческой девочкой: играла на фортепиано и скрипке, но лучше всего ей давалось рисование, которым она занималась с пятилетнего возраста.
В 10 лет девочка с матерью переехала во Флоренцию, где поступила в школу искусств, но скоро они вынуждены были уехать в Индию. В 16 лет Амрита снова приехала в Европу, на этот раз в Париж, где стала еще ближе искусству живописи.
В начальных творениях девушки заметен европейский стиль, что неудивительно. Первой достойной работойой можно назвать картину «Юные девушки», написанную в 1932 году. Позже Амриту начали узнавать в художественных кругах и приняли в парижское сообщество, чем не могла похвастаться ни одна азиатка прежде.
В середине 30-х годов девушка чувствовала, что ей хочется вернуться на родину. Там она много путешествовала и нашла, наконец, свое призвание – показывать в картинах быт индийского народа, граничащий с нищетой и угнетением. Ярким примером реалистичного взгляда на жизнь индийцев является работа-трилогия, состоящая из картин:
- «Туалет невесты»;
- «Брахмачари»;
- «Крестьяне Южной Индии».
В 1938 году Амриту взял в жены ее двоюродный брат из Венгрии, а тремя годами спустя они перебрались в Лахор, бывший тогда культурной столицей Индии. Юная художница планировала устроить собственную выставку, но неожиданная болезнь, которая перешла в кому, забрала ее жизнь. Это случилось 6 декабря 1941 года. Нет официальной причины ее смерти, но одна из версий – последствия аборта.
Сегодня многие работы Шер-Гил хранятся в Галерее современного искусства в индийской столице. Там же названа улица в ее честь. Племянник Амриты, сын Индиры, впоследствии тоже стал художником и один свой проект, посвященный творчеству тети, выставлял в Лондоне.
Ритуальный оберегающий рисунок
Данное направление очень стилизовано, самобытно и носит символический, ритуальный характер. Для мадхубани 
характерно детальное или частичное изображение основных богинь и богов индийского пантеона, а также людей и различных животных.
В ритуальных целях оформлялись внутренние стены дома и особенно спальни во время религиозных и сезонных праздников, а также во время особых событий, например, рождения первенца или свадьбы.
В случае свадебных рисунков на стенах изображались божественные супруги:
- Вишну, Лакшми.
- Кришна, Рада.
- Шива, Правати.
Кроме того, обязательным элементом в живописи мадхубани было раскидистое мировое дерево «кохбара», которое символизирует благодать и достаток. Считалось, что такие рисунки принесут новой семье неисчислимые блага, а божественные супруги станут их покровителями, которые уберегут от всех бед и подарят здоровое потомство.
Для простого украшения жилища рисунки носили более легкий характер и на них изображались мифологические сцены или просто ландшафтные виды природы.
Путешествие по Индии Василия Верещагина
Не дождавшись окончания переговоров о покупке Туркестанской серии, художник в апреле 1874 года покинул Россию и отправился в Индию. Индийское путешествие длилось два года. Верещагин живет в Бомбее, Агре, Дели, Джайпуре, в конце 1874 года предпринимает трехмесячное путешествие в Восточные Гималаи, в горное княжество Сикким, и сразу же по возвращении, в апреле 1875, новое продолжительное и трудное путешествие в области, пограничные с Тибетом, – Кашмир и Ладак. Он работает с азартом и одержимостью, не боясь опасностей и риска. Путешествие в Сикким имело целью восхождение на высочайшие вершины Гималаев. Предпринятое вопреки предостережениям в зимние месяцы, путешествие это едва не стоило Верещагину жизни: он чуть не замерз, покинутый проводниками, на высоте 14 000 футов, но даже в этот бедственный момент его, опухшего от мороза, измученного страшными головными болями, не оставляет жгучее желание наблюдать и фиксировать открывающиеся ему поразительные красочные гармонии. “Другой раз надобно придти сюда со свежими силами и сделать этюды всех этих эффектов, их увидишь только на таких высотах… – читаем в путевых очерках. – Кто не был в таком климате, на такой высоте, тот не может составить себе понятия о голубизне неба, – это что-то поразительное, невероятное, краска сильнее всякого чистого кобальта, это почти ультрамарин с небольшою дозою кармина. Розовато-белый снег на этом фоне является поразительным контрастом”. В Индии создано около ста пятидесяти этюдов. Верещагин покорен оригинальностью и высотой ее культуры (в дальнейшем он увидит подобное только в Японии), той “выработанностью во всем”, которую он находит и в архитектуре храмов, и в древней настенной живописи, и в ритуальном танце и пантомиме, и в современном костюме и бытовой утвари. После туркестанских ландшафтов с их сухостью и неизменной, ровной солнечностью Индия кажется экзотически яркой, роскошной. | ИндияТуркестанЯпонияВарварыРусский северКавказНаполеонПалестина |
| Мавзолей Тадж Махал близ Агры, 1874 | Браминский храм в Адельнуре, 1874-1876 | Три главных божества в буддийском монастыре Чингачелинг в Сиккиме | Гималаи. Главная вершина, 1875 |
| Индийский факир | Всадник-воин в Джайпуре. Около 1881 | Всадник в Джайпуре. Около 1880 | Монастырь в скалах. Ладакх, Северная Индия, 1875 |
| Розы в Ладаке | Западный Тибет. Местные жители, 1870-е годы | Северная Индия. Ледник по дороге из Кашмира в Ладакх, 1877 | Буддиский лама на празднике в монастыре Пемиончи. Сикким. 1875 |
| Индия. Факиры в Варанаси | Мавзолей Тадж Махал близ Агры. Индия, 1875 | Ворота около Кутуб-Минара. Старый Дели. 1875 | Статуя Вишну в храме Индры в Эллоре |
| Тронный зал Великих моголов Шах-Джахана и Ауранг-Зеба в форте Дели | Посмертные памятники в Ладакхе | Гималайский пони, 1874 | Бхил (Бхилы – одно из горных племен Декана). 1874 |
| Совар-правительственный посыльный | Сикким. Индийские мотивы, 1870-е годы | Гробница Шейха Селима Чешти в Фатехпур Сикри, 1875 | Гималаи вечером, 1875 |
| Горный ручей в Кашмире, 1876 | Дели. Повозка | Агра. Моти Масджид – Жемчужная мечеть | Индия. Дели. Повозка богача |
| Мусульманин | Священник парс (огнепоклонник). Бомбей | Бания (торговец). Бомбей. 1874-1876 | Непал. Молитвенный барабан, 1875 |
| Раджнагар. Мраморная, украшенная барельефами набережная на озере в Удайпуре | Вечер на озере. Один из павильонов на Мраморной набережной в Раджнагаре (княжество Удайпур). 1874 | В Индии. Снега Гималаев. 1874-1876 | Северная Индия. Монастырь Хемис в Ладакхе |
| Буддийский храм в Дарджилинге. Сикким. 1874 | Проход Барскаун | Развалины в Чугучаке | Древний храм |
