Современный мир впитывает наследие предков
Из-за религиозных и этнических аспектов жилища индийцев долгие века были закрыты для европейцев, а значит и 
оригинальная живопись мадхубани была скрыта от посторонних глаз. Лишь несколько десятилетий назад это самобытное искусство стало доступно всем желающим.
Как говорится в поговорке «…несчастье помогло», – о северном регионе Индии узнал весь мир во времена ужасной засухи, которая длилась с 1966 по 1968 год.
В этот период на развалинах заброшенных домов были обнаружены наскальные рисунки индийское правительство, а точнее Совет по развитию искусства и ремесла в Индии стал поощрять местных художниц на развитие данного направления.
Девушкам и женщинам было предложено перенести свои навыки на холст. Эти картины обрели ошеломительную популярность у европейских коллекционеров и моментально нашли своих покупателей. При этом многие проданные картины так и остались безымянными.
Этническое направление для массового пользователя
Сегодня тематические рисунки по мотивам индийских художниц можно встретить не только на холсте. Предприимчивые европейцы и местные жители наладили массовое производство недорогих рисунков на бумаге.
Кроме того, если вам нравится данное направление, вы можете украсить интерьер своего дома фресками или матерчатыми панно с изображениями элементов индийской мифологии.
В направлении живописи мадхубани, изображение божественного пантеона, как и другие элементы необычных картин, и по сей день наносятся на ткань, холст или бумагу вручную. Сначала рисуют монохромную основу из прямых линий, а затем пространство заполняется сочными и очень яркими красками.
Богиня Лакшми
Бинди – точка на лбу у индианок
Сколько держится мехенди и как сделать рисунок более долговечным?
Праздник Холи в Индии
Менди на руках женщин Индии
Кали – богиня смерти
Новое время
В 18 веке усиливалась колонизация, и к 19 столетию Индия, претерпевшая века правления мусульман, а затем – европейских колонизаторов, почти полностью утратила свою самобытность. Индийская живопись во многом переняла стиль художников Европы, в первую очередь – Англии. Но 19-20 века богаты замечательными мастерами кисти, и мы хотим рассказать о главных из них.
Раджа Рави Варма
Раджа Рави Варма считается первым индийским художником, всерьез увлекшимся картинами на холсте. Он жил и творил во второй половине 19 века по большей части в Бомбее – нынешнем Мумбаи.
Художник родился в 1848 году на территории современной Кералы в благополучной и довольно богатой семье, знакомой с наукой и искусством: отец – ученый, мать – литератор и поэт, а также трое братьев и сестер.
Раджа Рави Варма
Будучи начинающим художником, Раджа Рави Варма нашел покровительство местного махараджи. Благодаря ему он обучался у известных учителей:
- Рама Найду Свами – раскрывал тайны картин, написанных акварелью;
- Теодор Дженсон – выходец из Европы, специализировался на портретах маслом.
Навыки, способности, знания, привитые учителями, способствовали созданию индивидуального стиля Рави Вармы. Он вобрал черты английского аристократизма и индийской самобытности. Картины художника многие называют очень чувственными, иногда даже слишком, но именно это привлекает сентиментальных индийцев, поэтому до сих пор во многих домах можно увидеть репродукции его работ.
Мотивы картин тоже были самыми разными, порой даже противоположными:
- портреты;
- исторические события;
- мифические сюжеты;
- представители викторианской эпохи;
- быт простого индийского народа;
- сцены из «Махабхараты»;
- индийские мужчины и женщины в сари;
- боги индуистского пантеона.
Любой сюжет давался мастеру одинаково хорошо. Реалистичности бытовому жанру придавал тот факт, что он путешествовал по всей Индии в поисках идей, лиц и видел все своими глазами.
Амрита Шер-Гил
Амрита – первая знаменитая женщина в индийской живописи. Она творила в 20 веке, а ее работы удостоены звания национального достояния Индии.
Амриту Шер-Гил также часто называют индийской Фридой Кало. Действительно, у девушек много общего: во внешности, образе жизни, судьбе. Обе с ярким внешним видом, темными волосами и густыми бровями, они своим поведением порождали слухи о множестве любовников и любовниц, а в итоге обеих ждала скоропостижная смерть.
Девушка родилась в начале 1913 года в венгерской столице – в Будапеште. Семья отличалась статусом и образованием: отец был из сикхской аристократии, преподавал санскрит и персидский, мать – еврейка из Венгрии, пела в опере. Также у Амриты была сестра Индира, с которой они с самого детства были близки, вместе устраивали детские показательные выступления.
Амрита Шер-Гил (справа) и ее сестра Индира
Семья жила в Будапеште. Амрита была очень творческой девочкой: играла на фортепиано и скрипке, но лучше всего ей давалось рисование, которым она занималась с пятилетнего возраста.
В 10 лет девочка с матерью переехала во Флоренцию, где поступила в школу искусств, но скоро они вынуждены были уехать в Индию. В 16 лет Амрита снова приехала в Европу, на этот раз в Париж, где стала еще ближе искусству живописи.
В начальных творениях девушки заметен европейский стиль, что неудивительно. Первой достойной работойой можно назвать картину «Юные девушки», написанную в 1932 году. Позже Амриту начали узнавать в художественных кругах и приняли в парижское сообщество, чем не могла похвастаться ни одна азиатка прежде.
В середине 30-х годов девушка чувствовала, что ей хочется вернуться на родину. Там она много путешествовала и нашла, наконец, свое призвание – показывать в картинах быт индийского народа, граничащий с нищетой и угнетением. Ярким примером реалистичного взгляда на жизнь индийцев является работа-трилогия, состоящая из картин:
- «Туалет невесты»;
- «Брахмачари»;
- «Крестьяне Южной Индии».
В 1938 году Амриту взял в жены ее двоюродный брат из Венгрии, а тремя годами спустя они перебрались в Лахор, бывший тогда культурной столицей Индии. Юная художница планировала устроить собственную выставку, но неожиданная болезнь, которая перешла в кому, забрала ее жизнь. Это случилось 6 декабря 1941 года. Нет официальной причины ее смерти, но одна из версий – последствия аборта.
Сегодня многие работы Шер-Гил хранятся в Галерее современного искусства в индийской столице. Там же названа улица в ее честь. Племянник Амриты, сын Индиры, впоследствии тоже стал художником и один свой проект, посвященный творчеству тети, выставлял в Лондоне.
Ранние иконы новгородской школы
Развитие древнерусской живописи на этом этапе было связано с переработкой и усовершенствованием киевских традиций. Церковь все строже относилась к изображению образов и соблюдению канонов, боролась с языческими тенденциями, диктовала свои правила. А мастера вопреки всему все-таки умудрялись привнести в живопись черты народной древнеславянской культуры.
Новгородская икона 12 века Спас Нерукотворный
Поэтому новгородская икона кажется несколько грубоватой, архаичной и даже примитивной. Зато ее характеризуют звонкие, яркие краски. Святые и архангелы рисуются коренастыми и приземистыми, а сама новгородская икона становится плоскостной, линейной в отличие от светотеней и переливов, которыми была богата живопись Киевской Руси. Вместе с тем иконы новгородской школы XIII-XV веков являются классикой древнерусской живописи. В них проявилась одаренность народа, его мировосприятие, понимание ним красоты.
Самые знаменитые сохранившиеся иконы новгородской школы XII в.- это:
«Спас Нерукотворный» — икона новгородской школы древнерусской живописи (теперь хранится в Третьяковской галерее), она уже в ХІІІ веке считалась святыней и выступала образцом для написания других живописных произведений.
Стены храма Успения Богородицы
- Икона Петра и Павла из Софийского собора Новгорода (ХІ в.) хранится в Новгородском музее;
- Святой Георгий. Сохранились два изображения: одно в полный рост (сейчас хранится в Третьяковской галерее), а другое — полуфигурное (находится в Успенском соборе Московского Кремля);
- «Знамение» (ХII в.): икона, которая хранится в Новгородском Софийском соборе. Эмоциональность и душевная открытость на изображении свидетельствуют о местных художественных традициях в живописи;
Новгородским иконам, как и монументальной настенной живописи, свойственны жизнелюбие и радостная атмосфера. Росписи церкви Успения Богородицы на Волотовом поле – явление не менее выдающееся, чем иконы.
Известные японские художники периода Мейджи (Meiji):
- Харада Наоджиро (Harada Naojiro, 1863-1899)
- Ямамото Хосуи (Yamamoto Hosui, 1850-1906)
- Асай Чу (Asai Chu, 1856-1907)
- Кано Хогай (Kano Hogai, 1828-1888)
- Хашимото Гахо (Hashimoto Gaho, 1835-1908)
- Курода Сейки (Kuroda Seiki, 1866-1924)
- Вада Эйсаку (Wada Eisaku, 1874-1959)
- Окада Сабуросуке (Okada Saburosuke, 1869-1939)
- Сакасамото Ханджиро (Sakamoto Hanjiro, 1882-1962)
- Аоки Шигеру (Aoki Shigeru, 1882-1911)
- Фуджишима Такежи (Fujishima Takeji, 1867-1943)
- Хишида Шунсо (Hishida Shunso, 1874-1911)
- Каваи Гёкудо (Kawai Gyokudo, 1873-1957)
- Мёда Сейсон (Maeda Seison, 1885-1977)
- Шимомура Канзан (Shimomura Kanzan, 1873-1930)
- Такеучи Сейхо (Takeuchi Seiho, 1864-1942)
- Томиока Тессай (Tomioka Tessai, 1837-1924)
- Уемура Шоен (Uemura Shoen, 1875-1949)
- Ёкояма Тайкан (Yokoyama Taikan, 1868-1958)
Период Муромачи (Muromachi)
Картина “Сосны” Хасегавы Тохаку (Hasegawa Tohaku)
“Пейзаж” Сесшу Тойо (Sesshu Toyo)
Развитие монастырей дзен в Камакуре и Киото в XIV веке оказало основное влияние на изобразительное искусство. Сьюбокуга (Suibokuga), строгий одноцветный стиль живописи, использующий чернила, появившийся в эпоху династий Сунг (Sung) и Юань (Yuan) в Китае, в значительной степени заменил собой многоцветные иллюстрации в свитках предыдущего периода, хотя многоцветная портретная живопись сохранилась, в основном в форме картин “чинзо” (chinso) монахов Дзен. Типичным примером такой живописи является изображение священником-художником Као (Kao) легендарного монаха Кенсу (Kensu, в кит. – Хсен-цу (Hsien-tzu)) в момент, когда он достиг просветления. Такие картины делались быстрыми штрихами кисти и были минимально детализированы.Картина “Ловля сома на тыквенную семечку” (Catching a Catfish with a Gourd), написанная священником-художником Джосетсу (Josetsu), которая находится в храме Тайзо-ин (Taizo-in) в районе Миошин-Джи (Myoshin-ji) в Киото, отмечает собой поворотный момент в живописи периода Муромачи. На переднем плане изображен человек на берегу ручья, держащий маленькую тыквенную семечку и смотрящий на большого скользкого сома. Средняя часть пейзажа окутана туманом, а на заднем плане нарисованы горы, находящиеся в отдалении. Считается, что “новый стиль” живописи, появившийся в Японии около 1413 года, характеризуется изображением широких пространств, что было характерно для китайской живописи того периода.К концу XIV века одноцветные изображения пейзажей (сансьюга, sansuiga) получили одобрение правящей семьи Ашикага (Ashikaga), и стали предпочтительным жанром среди художников дзен, постепенно отходя от китайских корней и приобретая японские особенности.Наиболее известные живописцы периода Муромачи – священники-художники Шубун (Shubun) и Сесшу (Sesshu). Шубун, монах монастыря Шококу-джи (Shokoku-ji) в Киото, написал картину “Чтение в бамбуковой роще” (Reading in a Bamboo Grove), реалистичный пейзаж с глубоким удалением в пространстве. Сесшу, в отличие от большинства художников того периода, имел возможность побывать в Китае и изучить китайскую живопись на ее родине. Одна из лучших его картин – “Длинный свиток” (The Long Handscroll), изображающая четыре времени года на одном большом пейзаже.В конце периода Муромачи чернильная живопись выбралась за пределы монастырей Дзен в художественный мир: живописцы школ Кано (Kano) и Ами (Ami) переняли стиль и тематики, но внесли больше пластики декоративных эффектов; в таком виде стиль существует в наше время.
Известные японские художники периода Тайшо:
- Кишида Рюзей (Kishida Ryusei, 1891-1929)
- Ёрозу Тетсугоро (Yorozu Tetsugoro, 1885-1927)
- Ёкояма Тайкан (Yokoyama Taikan, 1868-1958)
- Шимомура Канзан (Shimomura Kanzan, 1873-1930)
- Хишида Шунсо (Hishida Shunso, 1874-1911)
- Мёда Сейсон (Maeda Seison, 1885-1977)
- Имамура Широ (Imamura Shiro, 1880-1916)
- Томита Кейсен (Tomita Keisen, 1879-1936)
- Наями Гйшу (Hayami Gyoshu, 1894-1935)
- Кавабата Рюшу (Kawabata Ryushi, 1885-1966)
- Цучида Хакусен (Tsuchida Hakusen, 1887-1936)
- Мураками Кугаку (Murakami Kagaku, 1888-1939)
- Кабураки Киёката (Kaburaki Kiyokata, 1878-1972)
- Такехиса Юмеджи (Takehisa Yumeji, 1884-1934)
- Уемура Шоко (Uemura Shoko, 1902-2001)
Период Тайшо (Taisho)
Пейзаж, худ. Кишида Рюзей (Kishida Ryusei)
В период Тайшо европейские стили доминировали над традиционными. В этот период в Японию после долгого пребывания в Европе вернулись многие художники (включая Аришиму Икуму (Arishima Ikuma)), принеся с собой техники импрессионизма и раннего постимпрессионизма. Работы Камиля Писарро (Camille Pissarro), Поля Сезанна (Paul Cezanne) и Пьера Августа Ренуара (Pierre Auguste Renoir) повлияли на живопись в начале периода Тайшо. Однако художники, работавшие в европейских стилях, в период Тайшо тяготели и к эклектицизму, кроме того, существовало множество иных направлений в живописи. К ним относится и Сообшество Карандаша (Fusain Society, Fyuzankai), которое тяготело к постимпрессионизму, особенно фовизму. В 1914 году Никакаи (Nikakai, Общество Второго Дивизиона) создали выставку в оппозицию финансируемой правительством выставке Бантен.На традиционную японскую живопись периода Тайшо лишь слегка повлияли соперничающие европейские движения, такие как неоклассицизм и поздний постимпрессионизм.Занимателен тот факт, что к концу периода Тайшо начал возрождаться стиль Нихонга (Nihonga), перенявший некоторые черты постимпрессионизма. второе поколение художников Никонга образовало Академию японского изобразительного искусства (Japan Fine Arts Academy, Nihon Bijutsuin), чтобы составить конкуренцию финансируемому правительством Бантен, и хотя они продолжали использовать традиции ямато-и, использование западных способов изображения перспективы и западных представлений о пространстве и освещении постепенно уменьшало разницу между нихонгой и йогой.
Греческая керамика
Историю Древней Греции на 5 отдельных периодов, тянувшихся с 3 тысячелетия до н.э. и до 5 века н.э.: Крито-микенский, Гомеровский период, Архаический, Классический и Эллинистический.
Говоря кратко про изобразительное искусство Древней Греции, следует отметить, что оно дошло до нас благодаря сохранившимся керамическим вазам. Именно на них большинство ремесленников оставляли свои рисунки. В более древние века декоративно-прикладное искусство было представлено геометрическими фигурами, из которых составлялись орнаменты. Главным отличием живописи Древней Греции стала характерная только эллинам меандровая роспись как ваз, так и рисунков на одеждах и зданиях.
В классический период к этим двум методикам добавился еще один вид живописи – монументальный. Он использовался при изготовлении фресок и мозаик.
Во времена крито-микенского периода преобладающим стилем был морской. Керамика украшалась изображениями дельфинов и осьминогов, кораллов и прочих морских обитателей. Но также использовался и стиль «Камарес», согласно которому посуда украшалась линейными или спиральными узорами.
В росписи ваз использовалось только два цвета. Рисунок выполнялся либо красным цветом на черном фоне, либо наоборот. Чернофигурный метод использовался немного раньше краснофигурного.
ТОП-4 статьи
которые читают вместе с этой
Именно греки открыли игру светотени, автором которой стал Апполодор Афинский, а также первыми стали оставлять автографы под своим творением.
Рис. 1. Древнегреческая амфора.
2011-08-21
Одной из центральных проблем понимания архитектуры, живописи и скульптуры Индии является понимание многообразия и уникальности этой древней культуры, отделенной от нынешней, временем и пространством. Они своим многообразием и уникальностью очень сильно повлияли на формирование и характер современного цивилизованного мира. Именно в этой роли культурное наследие Древней Индии являлось базой для создания мира науки и техники.
Памятники скульптуры и живописи Древней Индии относятся к Хараппской цивилизации. Уникальными художественными характеристиками считались памятники религиозного характера. В древней Индии большинство архитектурных и скульптурных памятников были сделаны из дерева, поэтому не сохранились до наших времен. Дворцовый комплекс для царя Чендрагупты был выстроен из дерева. В начале нашей эры для скульптурных изделий широко применяют камень. Религиозную живопись и скульптуру этого периода представляют пещерные комплексы, храмы и ступы (каменные сооружения, где хранились реликвии Будды). Наиболее интересными из них являются архитектурные комплексы в городах Карле и Эллоре. В Карле, пещерный храм имеет высоту почти 14 метров, 14 метров в ширину и около 38 метров в длину. Здесь находится огромное количество древних скульптур и ступ. Строительство комплекса в Эллоре длилось в течение нескольких веков. Шедеврами архитектуры и скульптуры Древней Индии являются также храм индуистов в Санчи и буддийская ступа, которая находится там же.
Наиболее известными из памятников живописи Древней Индии являются росписи в пещере Аджанты. Древние мастера на протяжении 150 лет трудились над этим храмом в скале. Благодаря тому, что индийцы разбирались в секретах стойких красок и искусстве укрепления грунта, все рисунки отлично сохранились. Выбор цветов зависел от сюжетов и персонажей. Например, Боги и цари, всегда были изображены белыми. Традиции этой школы так же повлияли на живопись и скульптуру Шри-Ланки и других районов древней Индии.
Великолепными по мастерству обработки камня и своей скульптурной ценности были столбы – стамбхи, которые часто увенчивались капителями с изображением львов. Самая знаменитая из них, созданная в 3 веке до н. э., капитель на стамбхе в Сарнатхе, она изображает четырех львов. Их огромные мощные тела стоят на круглом барабане, покрытом изображениями животных.
Во времена, когда север Древней Индии был завоеван пришедшими из Средней Азии кушанами, были объединены культуры Афганистана, Индии и античного мира. В это время в Индийской скульптуре возникает сам образ Будды, с характерными эллинистическими проявлениями. В новом свете появилось изображение Будды, в образе идеализированного человека, объединявшего в себе физическую красоту и возвышенное состояние покоя и самоуглубления. В скульптуре древней Индии органично слились одухотворенность древнегреческой пластики с полнокровной чувственностью индийских богов. Прототипами для скульптур Будды были скульптуры древней Греции, закутанные в мантии, а поза сидящего со скрещенными ногами Будды, так же как и жесты поучения, были местного происхождения.
Архитектура, живопись и скульптура Древней Индии оказала сильное воздействие на культуры соседних стран. Еще с глубокой древности ее традиции переплелись с традициями Востока. Во времена Хараппской цивилизации были установлены прочные торговые и культурные отношения с Месопотамией, Ираном и другими странами Средней Азией. Позже наладились культурные и экономические связи с Египтом и Юго-Восточной Азии. Наибольшее влияние культура Древней Индии оказала на архитектуру и скульптуру Ирана.
В современной Индии с большим почтением относятся к своему культурному наследию. Этой стране характерна особенность древних традиций. Совершенно не удивительно, что некоторые достижения архитектуры, живописи и скульптуры Древней Индии вошли в культурный фонд индийцев.
Время перемен
Конец XIX – начало ХХ века – время революционных перемен и ожидания возрождения России. В этот период появляются знаменитые «Богатыри» Васнецова и «Запорожцы» Репина, «Переход Суворова через Альпы» Сурикова. Картины выражают патриотические идеи народного величия и сокровенную мысль о его возрождении.
Но не только обращение к великим страницам истории характерно для времени больших перемен. Младшие передвижники – С. Коровин, С. Иванов, Н. Касаткин и другие – обращаются к жизни глухой российской деревни, создавая остро-социальные, революционные в своей правдивости полотна.
Революции – 1905 и 1917 годов – вдохновили и по-особому воодушевили художников. Появляется всё больше графических работ, сатирических журналов, на картинах – стачки, митинги (С. Иванов, Н. Касаткин). Однако в эти же годы появляется другое – упадническое – направление, декаданс, созвучное литературным течениям подобного толка. Его влияние наложило отпечаток на полотна М. А. Врубеля и других живописцев, наполнив их глубочайшей тоской и подчас безнадежностью.
Лирический декаданс, «смягчённый», воплощен в творчестве А. Рябушкина, Б. Кустодиева, М. Нестерова, В. Борисова-Мусатова. Пробуждение интереса к натюрморту тоже связано с новой эстетикой искусства: каждая вещь как символ иного, идеального мира, знак. Натюрморт теперь связан с миром, его выносят на природу (И. Грабарь).
Религия древней Индии
Индия стала родиной одной из трех мировых религий — буддизма, хотя, как ни парадоксально, сам буддизм не принял, оставаясь верным своей изначальной религии — индуизму. Буддизм, зародившись в Индии, распространился на все окружающие страны.
Индуизм, традиционная религия Индии, имеет глубокие корни, так как он пришел к нам с самых ранних времен истории Индии, фактически это смесь верований древних индейцев цивилизации Хараппа и вновь прибывших арийцев. Смешиваясь с местным населением, арии тщательно перемешивали религию древней Индии.
Индуизм основан на вере во множество различных богов, а в индуизме так много богов, что даже сами индусы не могут назвать их точное число. Поэтому в каждой индийской деревне может быть свой местный бог-покровитель. И боги древней Индии делятся на две большие группы: жесткие и асуры, которые в некоторых индийских мифах противопоставляются, в некоторых мифах асуры вовсе не боги, а скорее демоны, которые противостоят божественным сурам. В этом божественном противостоянии индуистских богов вы можете увидеть отголоски истинного противостояния двух культур — арийской и хараппанской (протоиндийской).
Сура и Асура.
И, тем не менее, в божественном разнообразии богов индуизма можно выделить множество других главных богов, которым поклоняются все индусы, это:
- Брахма — бог-создатель, согласно индуизму Брахма — создатель всего.
- Шива — бог-разрушитель. Если Брахма — такой божественный карандаш, то Шива — ластик, ответственный за разрушение, включая разрушение всего плохого.
- Вишну, верховный бог-наблюдатель, само слово «Вишну» переводится с санскрита как «всеобъемлющий». Он хранитель вселенной и всего сущего. Он также наблюдает за своими «божественными коллегами» Брахмой и Шивой, чтобы один из них не преувеличивал в своем творении, а другой — в его разрушении.
Пять самых известных пещер с наскальной живописью
1. Пещера Альтамира
Про эту пещеру вы уже хорошо знаете. Альтамира — та самая пещера, благодаря которой мир узнал о наскальной живописи древности. Случайная находка дочери археолога открыла историкам глаза на новый, удивляющий мир первобытного искусства.
Некоторые художественные приемы, которые использовались людьми палеолита, современные художники начали применять в своих картинах лишь в 19 веке.
Пещера Альтамира
Изображения бизонов в этой пещере довольно реалистичные: есть эффект объема, тени и штрихи. Художники использовали и сам рельеф стен, чтобы животные “оживали” и приобретали форму.
Раньше пещеру Альтамиру мог посетить любой желающий, однако из-за наплыва туристов температура в пещере начала меняться, и на ее стенах образовалась плесень. Поэтому сейчас сама пещера закрыта для посетителей. Но недалеко от нее находится музей древней истории и археологии, где можно познакомиться с разнообразными находками археологов и посмотреть на копии наскальных рисунков.
2. Пещера Ласко
Пещера Ласко была найдена в 1940 году, когда компания подростков случайно набрела на нее после разрушительной грозы. Размер пещеры невелик, однако на стенах изображено тысячи элементов.
Уникальная пещера Ласко находится во Франции, но о ней знают во всем мире. Шедевры были созданы еще в 18 веке до нашей эры.
Археолог в пещере Ласко
В этой пещере множество действующих лиц: все они в движении, даже разделены по разным “тематикам”. Именно в этой пещере находится самый крупный наскальный рисунок в мире – это бык, размер которого составляет 5 метров.
3. Пещера Шове
Пещера Шове тоже расположена во Франции. В отличие от пещеры Ласко с самыми крупными наскальными рисунками, пещера Шове может похвастаться самыми древними из найденных.
Живопись в пещере Шове
Стены украшают более 300 картин, на которых изображены даже животные ледникового периода. Ученые считают, что этой первобытной картинной галерее около 30 тысяч лет.
4. Пещера Нио
Пещера Нио располагается на юго-востоке Франции. Наскальные рисунки в ней обнаружили еще в 17 веке, но никто не придал этому значения.
Некоторые люди начали наносить свои записи рядом с древней живописью, не подозревая, что оставляют след на уникальном памятнике искусства, которому десятки тысяч лет.
Живопись в пещере Нио
5. Пещера Коске
В эту пещеру могут попасть лишь отличные пловцы. Чтобы добраться до древних шедевров, надо проплыть по 137-метровому тоннелю, который находится глубоко под водой.
Открыл необычное место в 1985 году дайвер Анри Коске. Ученые считают, что некоторые изображения животных, обнаруженные внутри, были сделаны около 30 тысяч лет назад.
Живопись в пещере Коске
{"questions":,"explanations":,"answer":}}}]}Предшествующий ведизм
Основы религии Древней Индии были заложены арийскими племенами во втором тысячелетии до нашей эры. Ученые пока не могут точно сказать, откуда пришли эти аборигены и куда именно они отправились. Но то, что они повлияли на формирование индийской цивилизации, — факт неоспоримый. Арийцы были европейцами по внешности, с голубыми глазами и светлыми волосами. Их смешение с черным населением дало начало новым местным племенам.
Религия ариев состояла из многих аспектов. Они верили, что животные, растения, камни и деревья обладают божественной сущностью. Ключевыми ритуалами их религии были жертвоприношения, в том числе человеческие. Арии оставили после себя Веды (тексты, состоящие из священных букв, в четырех частях), включая Ригведу, Атхарваведу, Сама Веду и Яджурведу. Позже ведическая мудрость была дополнена брахманами, пытавшимися объяснить законы вселенной.
В ведизме существовал великий пантеон богов. Арии были кочевниками, животноводство обеспечивало им условия для жизни, поэтому Индра, повелитель дождя и бурь, считался царем богов, стоявшим в центре пантеона.
